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Mots : Muriel Françoise Photos : Morgane Raharina

La photographe Morgane Raharina vit au dernier étage d’un immeuble au charme suranné édifié au-dessus d’un temple. Dans son appartement avec vue sur les toits de Paris, des clichés témoignent de ses talents d’observatrice urbaine. Lors de ses balades, l’ancienne journaliste imprime à son travail une poésie dont le carnet et l’exposition « Paris Diptypque », à la galerie French Touche jusqu’au 25 février, permettent d’apprécier la singularité. Regards croisés sur la ville et les hommes.

Comment l’idée de photographier la ville où tu vis depuis dix-huit ans t’est-elle venue ? Quelle était l’envie qui te portait ?

J’ai vécu plusieurs années en Martinique avant de rejoindre Paris. Je ne me souviens pas du moment où j’ai décidé de photographier cette ville, mais, avec le recul, il me semble que j’avais perçu dans ce médium, et notamment dans les cadrages qu’il me permettait de faire, le moyen de retrouver le calme, le vide, l’espace, la sérénité qui étaient mon quotidien là-bas. Mes plans rapprochés, mes cadrages serrés, la feuille d’un arbre tombée au sol, le café posé sur une table de bistrot, les pigeons, tous ces bouts de vie étaient, sans doute, une façon de définir ce qui m’apaisait et me préservait des tensions de la ville avec ses plans plus larges, la foule, les voitures, le métro… Après une enfance passée à Madagascar, ma vie d’étudiante dans le sud de la France et ces années aux Antilles, venir à Paris n’a pas été chose facile ; je crois que c’est grâce à la photographie que j’ai appris à aimer cette ville.

Tes photos ont souvent des cadrages qui rappellent ceux du monde cinématographique. D’où te vient ce regard ?

J’ai été chroniqueuse ciné à la radio quelques années. C’est peut-être mon amour du cinéma, mais j’ai une approche très intuitive de la photographie. Si mes cadrages ne sont pas réfléchis, je pense qu’ils cherchent tout de même, inconsciemment, à raconter une histoire. Peut-être aussi que la dimension poétique du cinéma, qui autorise une approche moins frontale, qui suggère plus qu’elle n’impose, recadre dans le cadre, laisse un premier plan flou, m’inspire. Mon cadrage parle de ce que j’attends de la photographie, et reflète finalement un peu ce que je suis dans la vie. Il donne cette possibilité de ne pas être acteur, mais davantage spectateur du monde dans lequel on vit. J’aime l’idée de m’arrêter sur le seuil d’une porte, de regarder, d’écouter sans participer et de photographier sans être vue. On apprend beaucoup à ne pas agir constamment et à ne pas se montrer.

As-tu des rituels particuliers ou des postes d’observation privilégiés ?

Le seul rituel que j’observe est de sortir presque chaque jour avec mon appareil photographique que je garde en bandoulière. Il est lourd, mais il me rassure. Je ne suis jamais à l’affût d’une photographie à prendre, mais j’aime le savoir près de moi, avoir cette possibilité de vite le déclencher quand une chose me parle ou me touche. Dans la rue, c’est la singularité d’une démarche ou d’une attitude qui, souvent, m’attire.

Tes clichés renvoient l’image d’un Paris tranquille délicieusement rétro. Une certaine nostalgie t’habiterait-elle ?

Oui, je le pense… On me parle aussi beaucoup de mélancolie. C’est peut-être cette nostalgie qui m’amène instinctivement à privilégier une composition graphique, simple et minimaliste. J’ai tendance à rechercher des lignes, des contrastes ; à proposer des cadrages décalés, un peu éloignés des règles habituellement utilisées en photographie. J’essaie, par ce biais, d’introduire un peu de modernité. Derrière le Paris que je propose, la nostalgie qui m’habite, j’espère que l’on ressent tout de même un peu de poésie contemporaine.

Quels sont les photographes ou les artistes qui t’inspirent dans ta pratique ?

Je pense m’inspirer principalement des photographes humanistes qui privilégient la spontanéité, l’instinct, l’émotion. Mais je suis très éclectique. J’aime la démarche photographique de Bernard Plossu, notamment dans « Marseille en autobus » pour sa liberté d’approche, ses cadrages un peu « chaotiques ». Le photographe italien Luigi Ghirri est celui dont je me sens le plus proche pour les sujets ordinaires qu’il photographie et regroupe en séries. Je suis fascinée par les portraits de Dave Heath dans « Dialogues with solitudes » aux éditions Le Bal 2018. Ce sentiment de solitude est assez présent dans les photographies que j’affectionne et dans les tableaux qui m’interpellent ; ceux d’Edward Hopper notamment. Et je le retrouve un peu dans les natures mortes du peintre italien Giorgio Morandi dont les couleurs peu saturées et la sobriété des dessins me touchent. L’architecture m’intéresse également, car elle m’ouvre aux lignes, franches et minimalistes. Le modernisme, le brutalisme, la Cité radieuse de Le Corbusier, que je photographie beaucoup dès que je reviens à Marseille, et le béton brut de Tadao Ando. La matière, les imperfections, l’aspect brut et artisanal des œuvres quelles qu’elles soient me parlent. La lumière est bien sûr importante ; je pense à une photographie de rue de deux adolescentes américaines dans « The age of adolescence » du photographe américain Joseph Sterling qui résume à elle seule la lumière que j’aime. Celle également de «  Supermarket boy with carts » de William Eggleston, la lumière de Saul Leiter dans « Early color » ou celle des tableaux du peintre Camille Corot qui, avec Albert Marquet, fait partie de mes peintres favoris.

Quel est le fil rouge qui relie les clichés que tu présentes dans l’exposition « Paris diptyque », à la galerie French Touche ?

Paris, telle que je me la représente et qui n’est peut-être pas l’idée première qu’on peut se faire de cette ville. J’y parle de silence, de vide, de solitude. J’expose des affiches sans leurs slogans publicitaires, ce qui autorise un nouveau dialogue, les yeux dans les yeux du modèle qui nous observe, une ville apaisée, une balade imaginaire et des passants solitaires presque sortis du «cadre ». Tout cela est proposé sous forme de diptyque pour s’attacher au sujet ou à l’objet photographié, et oublier le contexte, le lieu dans lequel il a été photographié. J’espère, le temps de cette exposition, amener les gens à redécouvrir Paris et la vie urbaine en général, montrer une certaine quiétude dans le tumulte, une nostalgie dans le contemporain, le regard d’un modèle dans l’injonction publicitaire… Et toutes ces petites choses qu’on ne voit plus à force de les côtoyer au quotidien.

Où emmènerais-tu une amie de passage pour lui faire découvrir ton Paris ?

Dans un vieux bistrot avec, si possible, une partie PMU, ses parieurs hippiques, ses habitués, le brouhaha, les tasses de café sur les tables, le journal qui circule de mains en mains, les morceaux de papiers qui jonchent le sol à la verticale du comptoir, les choses simples de la vie quotidienne. Ce que j’aime photographier.

morganeraharina.wixsite.com / @morgane.raharina

Mots : Muriel Françoise Photos : Alex Lesage

Le café libanais Chez Téta, à un jet de pierre de la maison de Leonard Cohen, à Montréal, rend hommage à la grand-mère du chef Antoun Aoun. On peut d'ailleurs admirer le visage de celle-ci sur l'enseigne qui se détache sur le mont Royal au loin, et les tasses qui accueillent des breuvages parfumés à emporter. Aidé de sa blonde Mélodie, nutritionniste, Antoun propose une carte courte, mais léchée de mets traditionnels réconfortants dont des manouchés garnis d’épices zaatar ou de kafta, un mélange de viande, persil et oignons qui se dégustent pliés ou roulés dès leur sortie du four venu du Liban. Ou encore des salades fattouche croustillantes ou des taboulés à partager avec des trempettes de hummous ou de baba ghanouj.

Avec sa grande table d'hôtes et ses chaises Thonet, le décor conçu par le bureau d'architecture Ivy Studio encourage la convivialité comme dans un village libanais. Il invite aussi à se poser pour observer la rue grouillante de vie en se régalant de plats aux saveurs du sud. Le bon plan : repartir avec des triangles aux épinards à réchauffer pour prolonger le plaisir à la maison.

227 Rue Rachel Est, Montréal
cafechezteta.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Pauline Barré

Aventuriers des temps modernes, les photographes Pauline Barré et Mickael Samama écument les mers, sondent les volcans et arpentent les déserts caméra au poing pour leur label créatif Un Cercle. Après une longue parenthèse montréalaise, ils ont choisi de se poser dans la maison de l’arrière-grand-mère de Pauline, près de Montpellier, entre souvenirs de famille et de voyages. Rencontre.

Malgré votre jeune âge, Mickael et toi avez déjà parcouru un bon bout de chemin ensemble...

Nos parcours ne se ressemblent pas vraiment, mais ont toutefois un point commun : nous n’étions pas faits pour le système scolaire français. Mickael a fait des études en informatique; il est aujourd’hui UX Designer. Un métier qui le passionne et qu’il continue d’exercer à côté de la photo. De mon côté, j’ai touché à tout avant de m'inscrire dans une école d’art, puis de tout plaquer pour partir vivre au Canada. C’est là que nous nous sommes retrouvés, et que nous avons créé Un Cercle, notre maison créative de photos et de vidéos. Nous y sommes restés huit ans. Nous sommes de retour en France depuis trois ans.

Qu’est-ce qui vous a décidés à revenir en France ? 

L’obtention de la nationalité canadienne. Nous avions besoin de changer d’air. Après huit ans à l’étranger, les kilomètres qui nous séparaient de nos proches devenaient aussi de plus en plus difficiles à supporter. Savoir que nous pourrions revenir vivre au Canada au besoin nous a poussés à nous lancer.
Nous ne regrettons pas d'être revenus en France. En revanche, après bientôt trois ans ici, nous nous rendons compte que nous sommes peut être plus Canadiens que ce nous ne le pensions et nous avons parfois le mal du « pays ». Heureusement, nous vivons à la campagne, dans un tout petit village au milieu de la garrigue. La vie est douce par ici. Comme nous ne savons pas de quoi demain sera fait, nous ne nous interdisons pas de rêver à un coin à nous, quelque part au Canada.

Pourquoi avez-vous choisi de poser vos bagages dans la maison de ton arrière-grand-mère ? 

C’était pour moi une évidence et, d’une certaine façon, une manière d’honorer la mémoire de mon arrière-grand-mère qui nous a quittés en 2019, à l’âge de cent trois ans. J’étais très proche d’elle, et je crois que cette maison a conservé une part de son âme. Nous nous y sentons bien. J’y ai énormément de souvenirs d’enfance, puisque j'ai vécu ici quelques années avec ma mère et mon arrière-grand-mère. Je sais qu'elle doit être heureuse de me savoir dans sa maison où je prends soin de ses rosiers qu’elle aimait tant (il y en a plus de vingt dans le jardin). 

Que représente une maison aux yeux des grands voyageurs que vous êtes ? 

Pour nous, c’est un refuge dans lequel nous sommes heureux de revenir après des semaines intenses sur les routes. Nous pouvons nous y reposer, concentrer et créer. À Montréal, nous vivions dans un petit appartement qui n’était pas à notre goût. Nous n’avions pas réellement posé nos valises, mais depuis que nous vivons en France, c’est vraiment très agréable de retrouver notre cocon.

Quels sont les objets dont vous avez choisi de vous entourer ?

Quand nous sommes revenus en France, il a fallu créer notre chez nous. Il était important pour moi que nous nous y sentions bien. Pendant quelques mois, j’ai écumé les brocantes, les sites de seconde main en cherchant le coup de cœur, le petit détail, la matière... L'essentiel de ce que nous avons est vintage, un critère auquel je tiens. Nous avions déjà collectionné pas mal de choses suite à nos voyages, et cette quête continue de grandir au fil de nos expéditions. J’aime les objets authentiques, qui ont une histoire. Nous avons par exemple ramené un très ancien Awalé, un jeu traditionnel africain, de Namibie, un chapeau de gaucho de Patagonie et, dernièrement, un morceau de lave d’Islande. Mes objets les plus précieux restent les plumes.

Alors que votre quotidien doit être saturé d’images, on retrouve néanmoins certains de vos clichés aux murs. Qu’évoquent-ils pour vous ?

Chez nous, il y a beaucoup de portraits d’animaux. Ce sont nos plus belles rencontres. La première fois que nous avons vu des éléphants du désert, un lion… des moments qui marquent à jamais l’esprit. Les avoir en photos à la maison est un bon moyen de nous remémorer tout ça. 

À l’exception de votre expédition islandaise pour filmer le volcan Fagradalsfjall en mars dernier, vos voyages des seize derniers mois ont dû être essentiellement immobiles. De quelle façon avez-vous continué à nourrir votre curiosité pour l’ailleurs ?

Nous avons continué de voyager, d’une certaine manière, en travaillant sur le court-métrage « Murmures » que nous avons tourné au Groenland en 2019. Nous avons la chance d’habiter à la campagne, nous sortons beaucoup avec notre vieux Land Cruiser pour des plaisirs simples comme des pique-niques ou l’observation des étoiles avec un télescope. Ce sont des bouffées d’air frais. Je me replonge aussi souvent dans mes carnets de voyage. Comme je ne veux rien oublier, j’ai pris l’habitude de tout consigner.

De quel grand voyage rêvez-vous lorsque la pandémie ne sera plus qu’un mauvais souvenir ?

Le Nord est définitivement dans nos plans, ainsi que l’Afrique qui tient une place particulière dans nos cœurs. Une chose est sûre, nous voulons retourner au Canada, et louer un chalet au bord d’un lac dans la forêt pour quelques semaines. Nous avons encore plus envie de prendre notre temps. Les voyages de courte durée nous intéressent de moins en moins. Il y a des endroits où nous n’irons probablement jamais et d’autres, comme l’Islande, où nous avons au contraire envie de revenir encore et encore.

uncercle.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Poppy Lawman

Sculptrice et designer, Poppy Lawman cultive un intérêt marqué pour les lignes et la matière première. Ses objets poétiques, conçus dans son studio sous les toits d’Oslo, ponctuent le décor et rythment les journées au fil de rituels ressourçants. De nouveaux essentiels.

Tu es née dans la campagne londonienne, tu as étudié la sculpture à Los Angeles et le design à Oslo, où tu vis aujourd’hui. De quelle façon ce parcours se ressent-il dans ta création ?

Chaque endroit m’a apporté quelque chose d’unique et permis de découvrir le chemin que je souhaitais emprunter au lieu de suivre celui qui semblait tout tracé. À Los Angeles, j’ai ainsi appris à penser de façon créative, à creuser des idées et à leur donner forme. À Londres, j’ai réussi à transformer la créativité en modèle d’affaires durable. Et à Oslo, où je vis depuis quatre ans, j’ai découvert comment associer art, design, affaires et éthique. Non pas en vue d’une carrière, mais plutôt d’un mode de vie correspondant à mes convictions en matière de rapport entre les objets, les hommes et la planète avec le bien-être en ligne de mire.

Comment le minimalisme cher aux Norvégiens résonne-t-il en toi ?

La Norvège, comme les autres pays scandinaves, est connue pour son amour des intérieurs et objets minimalistes qui, au-delà de leur fonction et grâce à des formes réfléchies, honorent la matière dont ils sont faits en nous ancrant dans le monde. J’espère que ce mode de vie, avec moins d’objets, mais porteurs de sens, va continuer à trouver un écho hors de ses frontières.

Ta participation à l’exposition (virtuelle) Norwegian Presence en avril 2020 a mis en lumière ton siège en pâte à papier compressée Papirstein. Comment l’idée de ce meuble a-t-elle germé ?

Le siège Papirstein est fabriqué en pâte à papier d’épinette compressée grâce à une collaboration avec une papeterie norvégienne centenaire. La Norvège a une longue histoire d’exportation de pulpe de papier provenant de ses grandes forêts de conifères. Les longs grains de leur bois en font une matière première idéale pour la fabrication de papier et la compression. J’ai voulu mettre en lumière ce matériau à l’apparence fragile qui est au centre d’une économie circulaire. Utilisé d’une façon nouvelle, il permet de fabriquer des meubles qui nous connectent à la nature, et peuvent réintégrer son cycle en fin de vie.

Alors que la pandémie que nous traversons a mis à l’épreuve les designers, elle t’a inspiré une série d’objets à la croisée de l’art et de l’utilitaire. Peux-tu nous en parler ?

Ses seize derniers mois, la pandémie a été une préoccupation majeure pour beaucoup d’entre nous. L’obsession pour la propreté qu’elle a entraînée m’a inspiré la collection Ren centrée sur le nouveau rituel du lavage des mains. Ces brosses visent à rendre ce moment plus agréable. Leurs lignes sont arrondies, comme si elles avaient été polies par l’eau vive, et leur surface brûlée grâce au Shou Sugi Ban, une technique traditionnelle japonaise permettant de protéger le bois. Ces objets utilitaires aux formes sculpturales sont destinés à être appréciés au-delà de leur fonction première.

Qu’il s’agisse d’un banc, d’une lampe ou d’une brosse, tu revendiques toujours la transparence du processus à l’origine de chaque pièce. En quoi celle-ci est-elle essentielle à tes yeux ?

Dans notre société moderne, on peut facilement perdre le rapport entre l’objet et la démarche qui lui a donné forme. La transparence quant à la matière et la technique dont il est issu permet de lui conférer de la valeur. Je chercher à créer des objets qui interpellent l’œil, mais aussi le cœur. Des choses dont on ne se débarrasse pas sur un coup de tête, parce qu’elles sont porteuses d’une histoire et d’une éthique à laquelle on veut croire.

Quels sont les objets dont tu aimes t’entourer au quotidien ?

J’aime m’entourer d’objets faits par des gens que j’ai rencontrés ou dont l’approche créative me plaît, c’est-à-dire avec soin et en conscience. On trouve aussi chez moi des matériaux posés dans le décor comme des sculptures : des pierres, des briques, des branches, etc. ramenées de voyages ou conservées pour leur forme ou leur texture. Depuis quelque temps, je collectionne aussi des outils d’artisans des quatre coins du monde, principalement des brosses et des ciseaux. Des objets simples qui, en fonction de la matière et de la façon dont ils sont faits, peuvent changer leurs utilité et plaisir d’utilisation.

poppylawman.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Catherine Dix

Bouteilles ventrues, vases zoomorphes, bougeoirs haut perchés... les objets en céramique de Catherine Dix bousculent les repères du quotidien au bénéfice d’une autre lecture, infiniment plus poétique. Un exercice de style mené haut la main dans son atelier parisien.

Vos céramiques arborent souvent des formes brutalistes, comme des micro-architectures. Est-ce en écho à votre enfance passée en ex-Union soviétique ?

Oui, cette période de ma vie m’a profondément marquée. Je suis restée très attachée à toute l'imagerie qui pouvait me la rappeler, notamment celle de l’architecture brutaliste. J’ai aussi baigné dans le monde de la construction toute mon enfance dans les années 70, car mes parents avaient une entreprise de stockage de matériaux industriels. J’ai grandi en voyant mon père tracer sur sa grande table à dessins des plans complexes que je trouvais très beaux.

Comment modelez-vous vos vases, coupes et sculptures ?

Je travaille à l’instinct sans esquisses préalables. J’ai recours à différentes techniques selon la terre que j’utilise et le rendu que je souhaite donner à mes pièces. Elles vont du tour au colombin au travail à la plaque en passant par l’estampage.

Depuis un moment, vous faites sortir de terre d’étranges bouteilles. Qu’est-ce qui vous a portée vers cet archétype ?

Si l’architecture et la forme m’intéressent par-dessus tout, je ressens par ailleurs dans ma pratique le besoin de graviter autour d’objets concrets, du quotidien. Cela donne des bouteilles assez peu fonctionnelles, comme des sculptures. Évoluer dans une zone aux contours indéfinis, où je ne suis ni tout à fait artisane ni à proprement parler sculptrice, est une idée qui me plaît.

catherinedixceramics.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Sarah Elliott

Nouveau territoire de prédilection des créatifs new-yorkais, l’Upstate - cette zone aux contours flous qui suit le cours de l’Hudson River – a notamment séduit l’autrice et artiste florale Lisa Pryzstup, et la photographe Sarah Elliott. En pionnières d’un nouveau lifestyle, elles ont quitté Brooklyn pour ces vertes contrées où elles défrichent le champ des possibles à leur rythme. Leur livre « Upstate. Living Spaces with Space to Live », paru aux éditions The Monacelli Press, propose une balade à travers des villes et villages au charme délicieusement surranné balisée de visites de maisons d’acteurs de leur renaissance. (Les Catskills, lovées entre Montréal et New York, accueillaient beaucoup d’artistes et de voyageurs au 19e siècle.)

On s’y délecte d’intérieurs au style minimaliste, bohème, victorien ou encore néo-rustique patiemment modelés avec des objets qui, sur fond de papiers peints fleuris ou de patines texturées, composent des natures mortes singulières. Ce beau livre au stylisme délicat est une invitation à l’évasion et une mine d’idées pour la maison où qu’elle soit, puisque la force tranquille de la campagne infuse nos villes en quête d’authenticité. En attendant de pouvoir (re)découvrir cette destination enchanteresse le moment venu.

« Upstate. Living Spaces with Space to Live », Lisa Pryzstup, photos Sarah Elliott, The Monacelli Press.
monacellipress.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Alex Lesage

Nouvelle halte gourmande en ricochant du centre-ville de Montréal aux berges du canal Lachine, le Shay (« thé » en arabe) transporte dans les plaines du désert du Moyen-Orient aux couchers de soleil envoûtants. Ce cadre dépaysant aux teintes minérales, signé Ivy Studio, sert de scène créative au chef d’origine libanaise Joseph Awad. Dans un joyeux cocktail d’influences, il marie des classiques tels que le houmous, le baba ghanoush ou le mouhamara à des plats aux saveurs italiennes, françaises, asiatiques et sud-américaines.

Dans un lendemain qu’elle rêve plus convivial, l’équipe du Shay devrait proposer des plats à partager sur place avec les mains, des brunchs libanais réconfortants et un tea time baigné de douceurs. En patientant, quelques mets peuvent déjà être emportés ou livrés en ville dont une sélection de sandwiches et de mezze. Un bon prétexte pour filer admirer le comptoir rappelant la splendeur des canyons libanais de Venosa Painting et les lampes au pied de terracotta des artisans québécois Jacques et Anna. Le voyage commence là.

1414 Rue Notre-Dame Ouest, Montréal
shayexpress.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Kate Berry et Ritchie Jo

Dans ses robes, vestes et pantalons en patchworks griffés La Réunion, Sarah Nsikak fait plus que donner une nouvelle jeunesse à des tissus mal aimés, elle met bout à bout des pans du passé avec comme fil rouge l’Afrique de ses ancêtres. Et tente de réparer, d’un même geste, les oublis de notre temps.

Comment ton envie de créer des vêtements en patchwork s’est-elle manifestée ?

J’ai quitté Oklahoma City pour New York en 2017 afin de travailler pour une marque de mode qui revendiquait une production éthique en Afrique, ce qui s’est révélé être un leurre. J’ai été témoin d’écoblanchiment et d’abus, et j’ai perdu mes illusions. J’en étais presque venue à croire que cette dérive était incontournable dans l’industrie de la mode. Il était dès lors crucial pour moi d’envisager les choses autrement. Après avoir toujours conçu des petites pièces avec des tissus recyclés grâce à ma grand-mère, ancienne couturière au Nigeria, qui m’avait appris le métier enfant, j’ai lancé la marque La Réunion fin 2019. Mon objectif était de créer des choses inspirées par l’Afrique, et produites de façon durable. Je voulais qu’une intention forte soit à l’origine de celles-ci. Ne pas me contenter de fabriquer parce que je savais le faire. Ma première collection capsule de robes patchwork a vu le jour en mai 2020, à un moment d’une profonde tristesse. La Covid-19 avait durement éprouvé New York. Nous étions confinés depuis plusieurs mois. Je n’avais plus de travail, mais j’avais du temps pour créer quelque chose avec du sens. Je me revois en train de me dire : « que puis-je faire pour me faire du bien à un moment où tout semble impossible ? » La mode a ce pouvoir incroyable de vous permettre de vous évader ou de croire que vous êtes quelqu’un d’autre, même dans les moments les plus difficiles. Fabriquer quelque chose que je pourrais porter m’est apparu comme une évidence.

Aux quatre coins du monde, le patchwork a une longue histoire derrière lui, ravivée par de nombreux créateurs de mode contemporains. Quel est l’héritage dont tu t’inspires ?

Lorsque je me suis installée à New York, j’ai fait des recherches sur l’art africain, car j’étais frustrée qu’il n’ait jamais été abordé lors de mes études. Tellement d’artistes et de designers s’inspirent de l’Afrique sans jamais lui rendre hommage de quelconque façon. Je me suis penchée sur l’artisanat textile, et après m’être prise de passion pour les courtepointes de Gee’s Bend, je suis tombée sur des photos de femmes Héréros (NDLR : peuple autochtone de l’Afrique australe vivant en Namibie) aux tenues colorées et formées de patchworks. J’ai été charmée par leur élégance, mais aussi outrée de n’avoir jamais eu vent de leur histoire. J’ai lu comment les Allemands avaient tenté d’exterminer leur peuple au début du 20e siècle, et comment elles avaient su réinventer le style vestimentaire de leurs oppresseurs. Il s’agit d’une grande preuve de résilience à l’image de ce que les Noirs font depuis la nuit des temps : transformer un symbole douloureux en quelque chose de beau. C’est à la fois un acte de rébellion et d’une immense force. Leurs histoires sont parmi les plus impressionnantes que j’ai entendues dans ma vie. Elles ont métamorphosé la jeune femme afro-américaine en quête d’identité que j’étais.

De quelle façon fais-tu de tes vêtements en patchwork les nouveaux indispensables de la garde-robe moderne ?

J’ai trouvé des vêtements en patchwork dans toute l’histoire de la mode. Ils ont parfois davantage attiré l’attention, mais ils ont toujours été là. Je les rends essentiels en les rendant uniques. Il y a, pour chacun d’eux, une réelle connexion avec la personne qui le porte, car je l’ai créé spécialement pour elle. J’espère que cela renforce l’idée qu’il est fait pour être porté et porté encore par elle, et ensuite peut-être par une autre personne chère à son cœur !

lareunionstudio.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Ferréol Babin

Designer de formation, Ferréol Babin a délaissé la perfection de l’objet industriel au retour d’un long séjour au Japon pour l’émotion de la pièce brute, faite main. Dans sa nouvelle maison près de Nantes, bâtie avec sa compagne Elsa, il laisse son instinct s’exprimer librement, cultive l’art du lâcher-prise et infuse chacun de ses gestes d’une poésie sensible. Rencontre.

Vous avez emménagé l’été dernier dans une maison construite de vos mains dans la campagne nantaise. Comment l’avez-vous voulue ?

Le terrain que j’ai acheté avec ma compagne Elsa est en forte pente. Tout le sol est en granit et en sable de granit. Nous avons fait creuser la roche ; la maison est donc ancrée dans celle-ci. Nous avons posé les baies vitrées de façon à suivre le soleil. D’une part, pour la lumière et, d’autre part, pour le chauffage. Nous voyons la roche toute la journée. Lorsqu’il pleut, nous regardons l’eau ruisseler sur la pierre... c’est notre télévision ! À l’intérieur, tout est blanc. Nous avons voulu un cadre neutre afin que ce soient les plantes et les objets que je fabrique qui amènent de la couleur et de la matière. Tout a été pensé pour profiter des petits plaisirs éphémères auxquels on ne prête pas nécessairement attention d’ordinaire.

On sent précisément votre maison très enracinée dans son cadre naturel. De quelle façon cette proximité avec la nature nourrit-elle votre travail créatif ?

Plus je m’ancre dans la nature, plus ma sensibilité pour celle-ci et les éléments grandit, et plus mon travail devient aléatoire, asymétrique et granuleux. Nous vivons près de l’océan. Toute la Côte est assez sauvage et rude. Je pense que cela se ressent dans mes pièces qui ont l’air un peu torturées, abîmées... Le bois que j’utilise depuis quelques mois pour sculpter mes cuillères provient par ailleurs des arbres que j’ai dû couper pour construire la maison. Tout a une histoire. Et c’est pareil pour les céramiques dans lesquelles j’intègre le granit concassé extrait du terrain, ce qui leur donne un aspect très brut avec des aspérités, comme s’il y avait des cristaux dedans.

Quels sont les objets dont vous vous entourez ?

C’est simple, nous n’avons aucun objet de designer à la maison. Les objets qui sont là sont voués à disparaître lorsqu’ils seront vendus ou que nous nous en lasserons. De la même manière que la nature est en mouvement constant, rien n’est figé. Lorsque nous avons besoin d’un meuble, je le fabrique. Si nous voulons en changer d’ici quelques années, je le démonterai et je récupérerai le bois pour autre chose. Je n’ai pas d’attaches particulières aux choses. Je ne suis pas matérialiste du tout.

Depuis l’automne dernier, vous façonnez des céramiques au fini très brut, presque primitif. Quel est votre processus créatif ?

Tout comme pour mon travail du bois, j’ai une approche très autodidacte et intuitive. Quand j’aborde un matériau, j’essaie de ne pas me confronter tout de suite à la technique ou aux traditions pour celui-ci. J’ai donc travaillé la céramique d’une manière primitive. J’ai pris la terre en main, je l’ai mélangée avec du sable et du granit, puis j’ai commencé à la déformer, à la maltraiter pour voir ce que je pouvais en faire, et j’ai envisagé ce que cela pouvait donner avec un émail. Cette façon de faire, libérée d’un enseignement, me permet d’être dans l’expression pure et dans une sorte de force ou d’énergie que j’ai besoin de transmettre. Ce travail non maîtrisé me permet aussi de donner naissance à un objet surprenant. De la même manière que lorsqu’on ramasse un caillou, on peut le regarder mille fois et y voir mille détails différents.

L’amour de la terre s’observe également dans votre assiette, exclusivement végane. La gastronomie est-elle pour vous une seconde nature ?

Je pense qu’au cœur de tout ça, on retrouve encore un intérêt pour la nature et les matériaux, ainsi qu’une approche instinctive et primitive des choses. La cuisine est également un moyen de créer. Avec la céramique ou le bois, je peux fabriquer des objets qui vont durer dans le temps. La cuisine est une autre manière d’émouvoir ou de m’exprimer avec un côté très éphémère et spontané. Pour moi, une cuisine est aussi un atelier. Les ingrédients sont aussi des matériaux. Et, enfin, ce qu’il y a dans l’assiette est aussi une sculpture.

ferreolbabin.fr

Mots : Muriel Françoise Photos : Thomas Jean Henri

En fée des temps modernes, l’artiste bruxelloise Élise Peroi entremêle les disciplines avec grâce en évoluant entre des espaces aux contours flous. Ses œuvres textiles, qui prennent leur source dans la nature, les mythes et les rencontres, dévoilent un univers créatif sensible où le geste imprime son rythme de façon silencieuse, mais précieuse.

Pour quelle raison avez-vous choisi le textile comme médium artistique ?

Le travail de tissage, qui impose patience, répétition et mécanique corporelle, m’a très rapidement interpellée sur ce temps passé à l’ouvrage, mais également sur ce qui, par ces gestes répétés, donne une forme de danse, en référence aux écrits de Paul Valery dans « La Philosophie de la danse ». La pièce créée résulte de mouvements entrecroisés qui se retrouvent condensés dans l’œuvre elle-même. Celle-ci porte alors la mémoire de ce temps passé à l’exécution, souvent invisible. Pourtant ce qui précède est comparable à un bourgeon. Il se joue en général dans l’atelier toute une dramaturgie qui relève de la puissance du processus. C’est ce que j’essaie d’explorer et de traduire dans mon travail de sculpture textile et de performance.

Tapisseries, sculptures, performances... vos créations entremêlent merveilleusement les genres, quel est votre fil rouge ?

Le rapport au corps, qui accompagne ma pratique textile et particulièrement le tissage, opère un déplacement, et questionne en permanence la manière d’appréhender ma relation à l’œuvre et sa finitude. J’aime imaginer que le temps, l’outil de la création, soit présent au sein même de l’œuvre. C’est de cette manière que mon travail a commencé à prendre le volume qui le caractérise et qui fait écho à celui créé lors de l’entrecroisement des fils sur le métier à tisser. Au-delà de la traduction d'un souffle, je me suis rendu compte que cet espace vide, ce « non tissé » et ce moment suspendu étaient autant de promesses, de possibles, de gestes à poursuivre.

Le textile raconte des histoires depuis la nuit des temps. Quelle narration suggérez-vous à travers votre pratique ?

Je m’inspire de techniques ancestrales propres au tissage, à la tapisserie et aux arts textiles pour lesquels le geste a autant de valeur que le résultat. C’est un travail dans lequel la notion de temps et de patience prend aussi toute son importance. Mon travail est un travail d’écriture qui utilise la trame, et empreinte aux aptitudes d’expressions corporelles pour retranscrire des pensées diverses, inspirées de mes lectures, des mythes anciens et de mes rencontres avec l’homme et la nature. La notion de répétition est aussi déterminante. Dans celle-ci, le concept de cycle, de mouvement permanent induit par le geste, m’amène à introduire dans mon travail des formes d’écritures extensibles à l’infini qui me permettent de jouer sur le caractère inépuisable de l’acte créateur. Il en ressort des installations dont la charge visuelle captive et oblige le spectateur à se positionner dans l’espace-temps revisité.

eliseperoi.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Ann Vincent

Photographe muée en sculptrice de bougies, Ann Vincent a un penchant marqué pour les choses éphémères. Dans un ancien garage près de Gand, en Belgique, elle façonne des objets de cire aux formes organiques qui, par la grâce de son savoir-faire pointu, se transforment en œuvres d’art délicates.

Tu as étudié la photographie. Comment l’idée de façonner des bougies a-t-elle pris forme ?

À la fin de mes études, j’ai utilisé de la cire pour un projet photographique. Avec les restes, j’ai commencé à apprivoiser la matière. Son apparence et son toucher, ainsi que sa nature mouvante m’ont intriguée. En particulier la façon dont elle fond et durcit en quelques secondes. J’ai voulu créer un objet sculptural qui pourrait prendre place à la maison comme un objet fonctionnel. Les bougies ne supposent aucun engagement permanent, ce qui les rend très accessibles. Elles sont des œuvres d’art tant que vous voulez d’elles à vos côtés.

Quel est ton processus créatif ?

Je commence par dessiner des formes que je sculpte en argile, puis je crée des moules en silicone grâce à ces formes. Le silicone permet de reproduire fidèlement les moindres détails de mes sculptures, y compris mes empreintes digitales ! J’y coule ensuite mon propre mélange à base de cire de soja et d’un peu de paraffine, car la cire de soja pure serait trop tendre pour fabriquer des sculptures aussi délicates. Enfin, je polis et peaufine chaque bougie à l’aide d’un couteau de sculpture. Le choix des couleurs se fait de façon très intuitive. J’ai l’impression de savoir de quelle couleur sera la bougie avant même de la créer. J’ai une attirance naturelle vers les teintes neutres et douces. J’aime en être entourée, car elles m’apaisent. Je trouve aussi qu’elles révèlent merveilleusement bien les lignes de mes bougies. Je mélange toujours la couleur moi-même de façon à ce que chaque bougie ait un ton unique.

De quelle façon définis-tu les formes de tes bougies ?

J’ai du mal à le cerner, mais j’essaie de m’entourer de choses inspirantes dans la vie quotidienne. Je suis très attentive aux formes et aux matières. Je pense que la douce chaleur et l’aspect particulier de la cire me guident naturellement vers certaines formes. La façon dont les bougies fondront beaucoup moins, car elle est difficile à deviner étant donné qu’elle dépend de plusieurs facteurs. Ceci dit, j’ai tout de même créé la bougie Onno avec le phénomène de fonte en tête. 

annvincentstudio.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Carvalho Park

Rosalind Tallmadge ne peint pas des toiles, elle crée des atmosphères. Cette artiste venue de Détroit aime jouer avec ce qui brille et multiplie les effets de matières troublant au passage curieux et esthètes. Avec elle, l’immensité céleste devient tangible, mais reste toujours aussi mystérieuse.

Tes œuvres plongent celui qui les observe dans une autre dimension, est-ce précisément ton intention ?

Je cherche à créer des peintures qui attirent et engagent celui qui les regarde. Grâce à un travail par strates, elles sont très texturées, et la feuille métallique qui les recouvre contribue à leur donner quelque chose d’indéfinissable lorsqu’on évolue près d’elles et que la lumière change. Elles sont en quelque sorte le contraire d’une image, par essence immuable. Leur grand format en fait des éléments architecturaux ou des espaces célestes davantage que des objets. Dans mon travail, je pense souvent à la quête d’art total des modernistes qui intégraient l’environnement dans leur approche créative.

Grâce à quels matériaux et techniques crées-tu cet effet magique ?

Je tends d’abord sur la toile un tissu à paillettes. Je crée ensuite une première composition à l’aide d’une sorte de marquage en manipulant et scellant le tissu à l’aide d’un gel pour acrylique, et je pose sur cette base plusieurs couches de matériaux naturels comme de la pierre ponce, du schiste ou des minuscules perles en verre que je recouvre d’une feuille de métal (aluminium, argent, or, étain…) Pour finir, je peins le tout avec des matériaux et des pigments bruts.

Brume, poussière céleste, écorce… les lectures de tes toiles ramènent toujours à la nature. Est-ce exclusivement celle-ci qui nourrit ton inspiration ?

J’ai grandi avec une passion inconditionnelle pour la nature. Mon père est naturaliste. J’ai passé mes vacances d’enfance à faire des randonnées et à étudier des collections de végétaux et de minéraux. Je tire en grande partie mon inspiration de la géologie, l’astronomie et l’archéologie. Mes peintures sont aussi le reflet de mon quotidien à New York. Les surfaces asphaltées, usées des trottoirs et des murs du métro meublent mon subconscient. Mon travail est également influencé par la mode. J’avais choisi de faire des études de mode avant de bifurquer vers les beaux-arts. Je suis toujours passionnée par le design textile, ce qui brille et la mise en scène de matériaux un peu kitsch pour intégrer le corps féminin dans une œuvre d’art abstraite.

rosalindtallmadge
carvalhopark.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

Le loft de l’architecte Christine Djerrahian et de l’entrepreneur Nick d’Urbano, au centre-ville de Montréal, surplombe le jardin d’une cathédrale. Le bâtiment qui l’abrite est une ancienne imprimerie du début du siècle dernier, à quelques minutes de marche de celle du grand-père de Christine au Vieux-Port. Ces New-Yorkais d’adoption, qui se sont rencontrés à l’ouest de l’île à dix-huit ans, ont décidé de revenir à Montréal pour fonder une famille et développer leurs projets professionnels.

« Montréal a beaucoup changé ces dernières années. Il y a plusieurs studios de design et d’architecture incroyables. Il était important pour nous de faire partie de la renaissance de la ville. »

Le loft aux murs de briques et aux hauts plafonds est le premier projet du Future Simple Studio fondé en 2019 par Christine. Dans cet espace au passé industriel ravivé, deux grandes boîtes vitrées, réservées aux chambres, permettent de conjuguer envie d’espace et besoin d’intimité. L’architecte s’est lancé le défi d’intégrer la nature en milieu urbain. Le bois a donc ici la part belle. Il structure et meuble l’espace, et lui donne une âme. La végétation grimpe sur les cloisons, se reflète sur les miroirs et vitres qui renvoient la lumière du soleil. Un terrain de jeux parfait pour Milo, deux ans.

« Nous entendons le bruit de la ville, mais nous ne voyons que des feuilles. C’est une expérience de vie assez surréaliste, un peu comme une bulle dans la ville. »

Le minimalisme, dans son interprétation humaniste, régit les lieux. L’intérieur compte ainsi peu de meubles, presque tous de designers québécois ou de la main de Christine.

« Si un objet ne possède pas une histoire ou ne reflète pas une émotion forte, il ne mérite pas de venir dans le loft. Il y a, par exemple, dans le coin bureau, une vieille machine à écrire d’une boutique vintage de Tribeca que Nick m’a offerte pour mes trente ans. Je restais toujours en admiration devant elle lorsque je passais devant la vitrine. »

Le goût des choses justes a inspiré à Christine la création de la marque de sacs Atelier YUL en 2016. Ces collections pensées pour les créatifs, accompagnés de projets ou d’équipements peu compatibles avec l’offre de l’industrie de la mode, sont fabriqués à Montréal après une phase de prototypage qui se fait souvent avec une machine à coudre sur le long îlot de pierre de la cuisine. Dans cette grande pièce aux airs de galerie des glaces, les matins de week-end, la vie s’écoule lentement sur un fond de jazz avec du café dont les grains proviennent de torréfacteurs locaux ou du Blue Bottle Coffee par nostalgie de la vie new-yorkaise de Christine et de Nick.

futuresimple.studio
theatelieryul.com

Production et mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

Dans un atelier au repos avec vue sur la montagne, une lumière chaude d’automne caresse des meubles de marbre et de verre élégants, dessinant au passage des ombres sur les sols et les murs, révélant un détail, une nuance, une brillance à l’œil ébloui. Verres boursouflés, vase aux bras déployés, carafe ruisselante... conviés dans ce milieu minéral urbain prennent la pause, se superposent. Fidèles au mot d’ordre du moment, dehors comme dedans, ils se prêtent à un exercice d’équilibre, cultivant avec grâce leur précieuse fragilité dans un surréalisme très à propos.

Chaises “For the Love of Solitude” et “And Here I Sit” de Claste Collection
Verres “Ripple” et vase “Double Handle” de Sophie Lou Jacobsen
Verres de Kimura Glass, chez Mjölk
Carafe “Vannfall” de Jin Kuramoto pour Nedre Foss, chez Mjölk
Merci à Claste Collection pour son accueil, à Mjölk pour son aide précieuse, ainsi qu’à Floralia pour ses fleurs.

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

L’illustratrice montréalaise Isabelle Arsenault distille de la poésie dans chacun de ses livres grâce à un trait délicat. La série La bande du Mile End, dont elle est aussi l’auteure, exprime avec tendresse son amour pour sa ville. Rencontre et balade à travers ses adresses coups de cœur dans un quartier haut en couleur.

Tu vivais jusqu’il y a peu dans le Mile End. Qu’aimes-tu dans ce quartier ?

Oui, nous avons quitté notre appartement du Mile End au printemps dernier. J’aime surtout l’esprit communautaire qui l’anime. On y trouve beaucoup d’artistes et de jeunes familles de différentes origines, souvent bilingues et écolos. Il y a également une belle variété de commerces, des librairies aux boutiques design. C’est un mélange hétéroclite à l’image de Montréal avec un bouillonnement culturel très inspirant. Les nombreuses ruelles, qui quadrillent le quartier, permettent aussi aux enfants d’y jouer en sécurité.

De quelle façon le quartier a-t-il inspiré ta série La bande du Mile End dont deux albums ont été publiés aux éditions de La Pastèque ?

J’ai grandi à Sept-Îles (sur la Côte-Nord du Québec), près de la mer. La plage était mon terrain de jeux. Lorsque nous avons décidé d’installer notre famille dans le Mile End, la ruelle me semblait triste en regard de ce que j’avais connu. Mais j’ai vu mes deux fils y inventer des histoires, et s’évader de cet univers gris. Ils ont d’ailleurs inspiré les personnages d’Albert et de Tom qui retrouvent leurs amis dans la ruelle au bout de la cour après l’école.

Peux-tu nous présenter la série en quelques mots ?

Elle met en scène une bande de copains qui se réunit dans une ruelle pour jouer et imaginer des aventures. Chaque livre fait découvrir un personnage et son univers. Tout repose sur l’imagination. Le décor est très minimaliste avec l’utilisation de deux couleurs fortes complétées de teintes neutres. Pour le deuxième album, La Quête d’Albert, le vert eau et l’orange ont été inspirés par la mer et un coucher de soleil d’été sur une toile abandonnée dans la ruelle.

Cette toile, qui sert d’horizon à Albert, grand lecteur à la recherche d’un moment de tranquillité, existe-t-elle ?

Oui, j’ai trouvé un jour dans une ruelle près de la maison un tableau avec un coucher de soleil que j’ai photographié et conservé dans mes notes. On découvre souvent toutes sortes d’objets de ce genre dans le quartier.

Qui sera le héros ou l’héroïne du prochain album attendu en février prochain ?

Il s’agira de Maya, une petite fille qui met en scène une pièce de théâtre féministe pour laquelle j’ai choisi un rose fuchsia.

Comment se dessine l’été de ta famille en cette année particulière ?

Nous allons sans doute rester à Montréal. Je travaille notamment sur la quatrième histoire de la série La bande du Mile End et sur un autre livre avec l’auteure Fanny Britt qui doit sortir cet automne. Nous avons prévu de faire un jardin dans notre cour. Nous allons aussi découvrir notre nouveau quartier de Notre-dame-de-Grâce, et faire des balades au Canal-de-Lachine tout proche. Et, bien sûr, retourner dans le Mile End pour voir nos amis.

isabellearsenault.com
La Quête d’Albert, La Pastèque.
Albert’s Quiet Quest, Penguin.

LES BONS PLANS D’ISABELLE DANS LE MILE END

POUR SE BALADER

La rue Waverly. « Pour ses très belles maisons avec des petits balcons fleuris. »

La ruelle Clark, entre les rues Saint-Urbain et Clark, et Bernard et Saint-Viateur. « Derrière notre ancien duplex, où jouaient nos fils, et où se passent les aventures de La bande du Mile End. »

L’église St Michael and St Anthony. « Avec ses briques pistache, un point central du Mile End. »

POUR MANGER

Le Butterblume. « Un café-épicerie, où j’ai fait des lancements de livres, qui propose de délicieux plats frais, de beaux objets pour la maison et des fleurs. » café au 5836 Boulevard Saint-Laurent et épicerie-traiteur au 5830 Boulevard Saint Laurent. lebutterblume.com

Cheskie. « Une boulangerie juive avec des mini croissants à la vanille dont raffolent mes fils. » 359 rue Bernard Ouest.

Kem Coba. « Pour sa glace au chocolat 72 %. Une tradition malgré la longue file d’attente. » 60 avenue Fairmount Ouest. kemcoba

Wilensky. « Une institution à Montréal aux délicieux sodas maison. Le lieu des premiers lunchs entre copains de mes fils avec les mamans à une autre table. » 34 Avenue Fairmount Ouest. wilensky

Larry’s. « Du même propriétaire que la boucherie Lawrence voisine. Des plats simples avec des ingrédients de qualité. Parfait pour un verre entres amis. » 9 avenue Fairmount Est. lawrencemtl.com/larrys/

Brioche à tête. « Les meilleures brioches, viennoiseries et quiches de Montréal. » 107 avenue Fairmount Ouest. briocheatete.ca

Pizzeria Magpie. « Un lieu sans prétention parfait avec ou sans enfants pour de bonnes pizzas au feu de bois. » 16 rue Maguire. pizzeriamagpie.com

POUR BOIRE

Pastel Rita. « Un café coloré où l’on peut boire de bons cocktails, et qui met en valeur des créations d’artisans québécois. » 5761 Boulevard Saint-Laurent. pastelrita.com

Bar à vin Parasol. « Derrière le restaurant Maïs, ouvert seulement l’été. On peut y manger des grillades cuites sur un barbecue dans la ruelle accompagnées de vins nature. » 5439 Boulevard Saint-Laurent. parasolbaravin.com

Café Falco. « Un café zen, d’inspiration japonaise, où j’aimais m’installer pour écrire lorsque je vivais dans le quartier. » 5605 Avenue Gaspé. cafefalco.ca

POUR MAGASINER

Drawn & Quarterly. « Une librairie avec une belle sélection de livres pour enfants et de romans graphiques pour adultes où l’on peut passer beaucoup de temps. » 211 rue Bernard Ouest et la Petite Librairie D+Q, 176 rue Bernard Ouest. drawnandquarterly.com

Boucle et papier. « Pour de très beaux articles de papeterie. » 5183 Boulevard Saint-Laurent. boucleetpapier.com

Style Labo. « Un magasin d’objets vintage. J’aime l’ambiance, les propriétaires un peu bohèmes, l’odeur... J’y ai notamment acheté une table à dessin. » 5595 Boulevard Saint-Laurent. stylelabo-deco.com

La Pastèque. « La librairie de mon éditeur avec une galerie, où sont exposées des planches originales, de la papeterie et des animations pour les enfants. » 102 Avenue Laurier Ouest. lapasteque.com

Raplapla. « Une boutique-atelier de jouets. J’aime beaucoup sa propriétaire Erica, une femme aux idées inspirantes avec qui j’ai eu la chance de collaborer. J’y ai acheté beaucoup de poupées en chiffon pour moi. » 69 rue Villeneuve Ouest. raplapla.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

Tapi dans l’ombre quelque part entre le bord de l’Hudson et les restaurants du quartier tranquille de Greenpoint, à Brooklyn, le Bellocq Tea Atelier est l’adresse confidentielle par excellence. Ni vitrine ni enseigne pour une pause épicurienne qui doit son nom au photographe E.J. Bellocq, connu pour ses portraits de filles de joie à la Nouvelle Orléans au début du siècle dernier.

L’intérieur, entre boudoir et sous-bois infusé de Wabi-Sabi, respire le calme et l’authenticité. Cet écrin de goût imaginé par Heidi Johannsen Stewart, Michael Shannon et Scott Stewart, respectivement styliste culinaire, designer et artisan, accueille des thés organiques en feuilles finement sélectionnés en Asie et en Afrique, et des infusions divines.

La boutique-atelier abrite également des théières, bouilloires, bols, encens et bougies inspirées des mélanges maison, ainsi que des livres sur l’art du thé qui est volontiers enseigné aux passionnés. Chaque boîte est d’ailleurs accompagnée du mode de préparation et de la température suggérés pour ces cadeaux parfaits.

104 West Street, Brooklyn
bellocqtea.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Alex Profit

Artiste maquilleuse et céramiste, Sigrid Volders joue avec la couleur en s’affranchissant des normes. L’atelier qu’elle partage avec cinq amis créateurs dans un ancien magasin de meubles d’Anvers sert de laboratoire à ses recherches chromatiques et formelles. Rencontre avec une poétesse du quotidien au geste joyeux.

Céramique, maquillage artistique, art floral... ta création a plusieurs visages. D’où te vient cette curiosité ?
J’ai travaillé plus de dix ans comme artiste maquilleuse dans le milieu de la mode. Au fil du temps, je me suis sentie de moins en moins proche de cette industrie. J’aime imaginer un maquillage à partir des couleurs des vêtements, de l’univers d’un designer, et du style d’un photographe et d’un modèle. Ces inspirations croisées donnent un résultat magique. Mais la transition de l’analogique au digital s’est accompagnée d’une perte de liberté et de jeu essentiels à la création. Le projet fondateur Earth.Rope.Pot.Plant a pris forme de façon organique avec l’artiste textile Narelle Dore. Tout a commencé lorsque Piëtro Celestina, de la boutique anversoise Ateliers Solarshop, nous a demandé de concevoir des objets. Il avait trouvé aux puces des pots en céramique et des vieux miroirs auxquels il souhaitait offrir une seconde vie. Nous avons fabriqué des jardinières suspendues, des vases en bambou et des cordages pour les miroirs. D’autres boutiques et galeries nous ont ensuite approchées, et nous avons continué à imaginer des choses, comme une vitrine pour la boutique Nid a Deux, à Tokyo, et une installation de jardin complétée d’une exposition sur la cérémonie du thé pour l’espace artistique anversois Het Bos.

Tes céramiques sont très joyeuses. Est-ce avant tout le plaisir qui t’a menée vers cette discipline ?
Lors d’une recherche de céramiques contemporaines pour un projet d’Earth.Rope.Pot.Plant, nous avons collaboré avec les artistes Katharina Trudzinski et Elise Gettliffe. J’ai été fascinée pour la transformation de l’argile en un bel objet du quotidien, et j’ai suivi une formation à mi-temps pendant cinq ans. Je me suis concentrée sur l’art de la céramique après le départ de ma partenaire Narelle pour Londres. J’ai commencé de façon très spontanée. C’était une joie de créer des pièces de mes mains, de toucher de l’argile... Et c’est très vite devenu une passion. Au début, je fabriquais juste des choses pour remplacer ce que je trouvais banal ou ce qui manquait chez moi : des assiettes, des tasses, des théières, des lampes, des patères, des carrelages... C’était sans fin. Je crée aujourd’hui des céramiques pour neuf galeries et boutiques en Belgique, en France, aux Pays-Bas, au Royaume-Uni et au Japon.

Sous tes doigts, la terre prend des formes singulières. Tu sembles avoir un penchant pour les formes organiques et imparfaites...
Cela n’aurait aucun sens pour moi de faire un objet qui semblerait fabriqué à l’aide d’une machine. Le plus beau compliment que l’on puisse me faire est de me dire qu’on ressent le plaisir que j’ai eu à créer un objet en l’utilisant ! Je pense que l’on devine toujours un peu la personnalité d’un artisan dans une pièce. J’aime les formes organiques dans la matière qu’il s’agisse d’une roche polie par la mer, d’une branche brisée ou encore de tissus usés… J’adore faire des promenades dans la nature. Je suis constamment émerveillée par sa beauté ! Notamment par la façon dont les fleurs et les plantes prennent et perdent leur couleur et leur forme.

Ta large palette de couleurs et ton audace pour marier celles-ci sont-elles inspirées de ton expérience d’artiste maquilleuse ?
On m’en fait souvent la remarque. J’ai toujours été inspirée par les couleurs et par leur association qu’il s’agisse de maquillage ou d’émaillage. Je passe beaucoup de temps dans mon atelier à faire des recherches et à élaborer des recettes pour l’habillage de mes céramiques.

Qu’espères-tu que tes céramiques apportent aux maisons qui les accueillent ?
Au printemps dernier, mon amoureux et moi avons fait un grand nettoyage parmi notre vaisselle. Nous n’avons conservé que nos pièces préférées : un mélange de mes créations, de pièces d’autres céramistes collectionnées au fil des ans et de trouvailles vintage. Lorsque je dresse la table ou que je me prépare un thé, je sors de l’armoire des objets que j’aime, et lorsque je les utilise, cela me fait sourire. Je souhaite que mes céramiques apportent la même joie aux autres.

Y a-t-il un objet que tu rêves de créer ?
Pas un objet en particulier, mais plutôt une façon de travailler. Je rêve de productions en séries limitées hors de mon studio. Cela me donnerait le luxe de pouvoir me concentrer sur la création de pièces uniques, de poursuivre mes recherches sur l’émaillage, et de faire ce que je préfère : sculpter de façon libre et poétique.

instagram.com/sigridvolders/

Mots : Muriel Françoise Photos : Nicole Franzen

Jusqu’ici, on restait béat d’admiration devant les compositions florales de Fox Fodder Farm dans les adresses de mode, de design et de gastronomie les plus élégantes de Big Apple (Ulla Johnson, Roll & Hill, Hotel Delmano...) Depuis la Saint-Valentin, Brooklyn abrite la première boutique du studio fondé en 2011 par Taylor Patterson.

L’espace de 170 m2 au pied du Williamsburg Bridge, pensé à la façon d’une cour fleurie par l’architecte paysager Brook Klausing, est un havre de paix urbain. Une fontaine en pierre bleue, inspirée d’un ruisseau du Delaware proche de la ville natale de Taylor, apporte d’ailleurs un doux bruit de fond à ce lieu adopté illico par les familles voisines. Une longue table au cœur de la boutique permet à celles-ci de composer des bouquets avec l’aide d’un fleuriste.

Parmi les autres détails qu’on aime : l’origine, la date d’achat et la durée de vie des fleurs inscrites sur les vases. Et aussi la sélection de produits d’artistes et d’artisans, dont les savons aux huiles essentielles de Saipua, ainsi que les vases en pierre de la côte Nord-Atlantique de Pete Rock et en céramique made in Brooklyn de la Coréenne Yoon-Young Hur.

45 South Fourth Street, Brooklyn
foxfodderfarm.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

Le nouveau studio de Kassandra Thatcher, à Bushwick, n’a qu’une petite fenêtre donnant sur une cour. Un clair-obscur propice à la création de lampes et de sculptures aux courbes prononcées et au grain voilé le plus souvent de blanc. À 25 ans à peine, la poétesse muée en artiste autodidacte a le geste souple, et maîtrise la forme avec grâce. Rencontre.

Tu as étudié la poésie. Quel parcours t’a menée à la sculpture ?
Oui, je suis bachelière en poésie. Mon mentor soulignait toujours l’importance de la forme en écriture. Il insistait sur le fait qu’un geste pouvait être une chose en soi. J’ai composé des poèmes basés sur des observations très pointues de la vie et du mouvement.
J’étais déjà passionnée par l’argile en secondaire. Je suivais un cours facultatif de céramique, et j’adorais fabriquer des figurines. Après avoir travaillé longuement la forme pour exprimer les choses pendant mes études supérieures, je me suis éloignée du travail figuratif pour essayer d’intégrer ce que j’avais appris du langage dans un geste statique. À défaut d’argile à ma disposition à l’université, je me suis mise à travailler le métal, le papier, le plâtre et le bois. Ces matériaux m’ont permis d’envisager la forme d’une nouvelle façon. J’ai ensuite été engagée dans une galerie d’art, et j’avais désespérément besoin de créer en coulisse. J’ai donc renoué avec l’argile en essayant de reproduire dans cette matière ce que j’avais appris à faire dans d’autres. Le week-end, je travaillais pour l’artiste Stephen Antonson. Cela m’a donné l’élan nécessaire pour quitter mon boulot, et me consacrer pleinement à la sculpture.

Tes sculptures semblent effectivement souvent figer un mouvement. Ton passé de danseuse t’a-t-il inspiré leurs courbes ?
Oui, à 100 % ! J’ai fait de la danse moderne de 8 à 18 ans. Je n’avais jamais pris conscience, jusqu’à tout récemment, combien celle-ci est restée profondément enracinée dans mon corps. Apprendre dès le plus jeune âge à faire attention à la façon dont son corps et celui des autres existent dans l’espace est très particulier. Les formes avec lesquelles je joue quand je sculpte ressemblent beaucoup aux figures d’improvisation en danse. L’harmonie avec la manière dont mon corps se déplace entre, à côté, vers, loin, sous ou au-dessus d’autres corps guide mon geste créatif. Je parle d’ailleurs souvent de « gestes statiques » pour décrire mes sculptures.

Quel est ton processus créatif ? Les esquisses sont-elles un préliminaire indispensable à ta création ?
Mon processus créatif est assez informel. Je fais souvent des esquisses, mais juste pour poser des fragments épars d’images observées dans l’espace ou qui flottent dans ma tête. Je suis bien meilleure dans le travail en trois dimensions. Je crée avec de l’argile dont je coupe ou à laquelle j’ajoute souvent des bouts ici et là en me rendant compte que j’ai construit l’œuvre à l’envers, la retournant et essayant ensuite de rétablir l’équilibre dans l’autre sens. Souvent, j’essaie de développer un détail du mouvement dans la création suivante. Ma pratique passe par une itération constante de la forme et du geste. L’inconvénient de cette méthode, c’est que lorsque mon esprit n’est pas en phase avec mon corps, mon travail en pâtit.

Quels sont les artistes qui t’inspirent dans ta démarche artistique ?
Barbara Hepworth est mon idole, ma muse. Elle a été l’une des pionnières de la sculpture en taille directe, une approche où le processus fait partie intégrante de la forme finale. Son travail était par ailleurs très centré sur la relation entre les choses que j’explore également dans ma création.

Tu es allée en résidence d’artiste au Colorado l’été dernier. Que t’a apporté ce voyage ?
Ce voyage a changé ma vie. J’ai beaucoup appris au côté du sculpteur Matt Wedel dont le talent m’émerveille. Il construit des œuvres en céramique gigantesques, jusqu’à 3,5 tonnes ! Comme je suis essentiellement autodidacte, il m’a appris beaucoup de choses sur l’argile, et à voir grand ! J’y ai d’ailleurs créé ma plus grande pièce à ce jour, presque de ma taille. J’ai aussi été en mesure d’entrer en relation avec la sculpture et la matière hors de mon cadre de travail habituel, ce qui m’a recentrée sur ma pratique. Je suis revenue à l’origine des choses. Et je me suis souvenue combien j’avais besoin de jouer à nouveau avec la matière.

kassandrathatcher.com

Stylisme et mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

À l’heure du leurre, des faux-semblants et de l’obsession de l’impression, les miroirs de la jeune artiste québécoise Clara Jorisch reflètent les failles d’une génération en quête de perfection. L’image polie et filtrée se fissure pour mettre au jour une réalité plus profonde. La fascination pour l’ego se trouble au bénéfice d’un nouveau regard. Le portrait s’envisage multiple, en demi-teinte, voire recomposé dans un trompe-l’oeil intriguant. La mise en scène acquiert un autre statut. L’objet dépasse sa fonction, se mue en miroir de l’âme. Brillant !

Miroirs “Première Collection” de Clara Jorisch
Merci à l’agence Résidence Éditions pour son aide précieuse, et à Maison Note pour ses chiffons de soie aux teintures végétales
Accessoires personnels

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

Dans les couloirs du vieux bâtiment qui abrite le studio de Vonnegut/Kraft à Sunset Park, un quartier industriel de Brooklyn, on trouve des moulures néoclassiques, une draisienne rouillée et beaucoup de bois. Rencontre avec les designers-ébénistes Katrina Vonnegut et Brian Kraft, et Clemens, huit mois, leur plus beau chef-d’œuvre.

Qu’est-ce qui vous plaît particulièrement dans ce bâtiment ?
Nous aimons la proximité avec l’eau, et les magnifiques couchers de soleil, spécialement l’été lorsque toutes les fenêtres de l’atelier sont ouvertes. Nous y avons aussi beaucoup d’amis, comme les designers Chen Chen et Kai Williams. Cela rend les pauses beaucoup plus sympathiques surtout les jours où les choses vont de travers. Nous nous arrêtons alors un moment, discutons avec eux, et reprenons tout à zéro.

Quelle est l’histoire de votre rencontre ?
En fait, elle a pris quelques années. Nous nous sommes d’abord croisés dans le métro lorsque nous vivions à Williamsburg. Il a fallu un an pour faire connaissance et découvrir que nous étions voisins ! Les détails de la suite de l’histoire sont dignes d’une comédie romantique, mais nous sommes d’éternels romantiques.

Katrina est diplômée en design et Brian en art et en littérature anglaise avec une solide expérience dans le travail du bois. Comment vos parcours se complètent-ils au sein du studio ?
Il nous a fallu un certain temps pour trouver une façon de travailler ensemble. Katrina a une approche plus traditionnelle qui passe par des esquisses et des maquettes tandis que Brian aime se lancer directement dans la fabrication de prototypes. Son approche plus spontanée vient sans doute de plusieurs années d’interaction avec l’architecture urbaine grâce à des balades en skateboard à New York. Ces deux approches, très différentes, se complètent plutôt bien.

Quelles sont vos sources d’inspiration ?
Sans aucun doute nos explorations des mondes naturels et construits à travers nos voyages. Le quotidien d’une petite entreprise en pleine croissance a tendance à nous éloigner de l’émerveillement pour des choses nouvelles. Nous sautons donc sur chaque occasion de découvrir le monde à travers l’architecture et le design de lieux inconnus comme, tout récemment, Puerto Rico où Katrina a longuement exploré les fonds marins. Nous sommes revenus avec des centaines de photos de coraux. L’inspiration naît souvent de la curiosité pour un détail que nous transformons, de façon abstraite, dans notre travail créatif.

Quel est, par exemple, le détail qui a donné forme à la collection de tables à l’articulation marquée Mesa ?
Notre but était de développer un système structurel basé sur l’observation du corps humain, et en particulier la façon dont les parties, comme les doigts et les articulations, de celui-ci s’imbriquent. Nous avons voulu créer des éléments qui permettent au plateau de la table d’être intégré de façon invisible au haut de celle-ci. Les détails du meuble sont en quelque sorte masqués au bénéfice d’une unité de formes.

Avec son espace en mezzanine, votre studio semble être un peu comme une seconde maison. Y avez-vous des habitudes ou rituels ?
Oui, même si l’arrivée de Clemens a un peu changé notre routine. Au début, nous avions pensé utiliser la mezzanine comme bureau, mais c’est agréable de faire une pause dans cet endroit calme loin des écrans. Nous y consultons les livres qui nous inspirent, et y faisons parfois la sieste. Cet espace nous permet de décompresser et de nous recentrer sur les choses qui comptent vraiment.

vonnegutkraft.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

L’appartement de l’artiste Mérida Anderson dans le quartier d’Outremont, à Montréal, est coloré et accueillant. Ses céramiques, connues sous la marque YYY, se mêlent à des meubles vintage, aux créations d’ami.e.s* makers et à des plantes dans une joyeuse jungle urbaine. Ce dimanche soir, des gens de tous les âges prennent place dans l’intérieur bohème pour un Vegan Secret Supper, un dîner végétalien préparé par Mérida, qui a fondé le club éponyme en 2007, à Vancouver. Des assiettes composées avec goût se succèdent alors que les langues se délient.

« Je suis devenu.e végane à seize ans, et j’ai rapidement mis la main à la pâte. Ces dîners étaient un moyen de partager ma cuisine, ainsi que de créer un rendez-vous d’un genre assez nouveau à l’époque. Je voulais également créer un livre de recettes végétaliennes, ce qui a été facilité par ce projet. Je travaille d’ailleurs à mon deuxième ouvrage. »

Après quelques années passées à New York, Mérida a pris racine à Montréal en 2013. Le bâtiment qui abrite son atelier, dans le quartier industriel en pleine métamorphose du Mile Ex, à vingt minutes de vélo de son appartement, rassemble un collectif de designers, d’artisan.e.s et d’artistes.

« J’aime cet endroit. J’ai beaucoup d’ami.e.s qui y travaillent depuis plusieurs années. Je m’y sens comme à la maison. »

Les étagères de son espace créatif sont garnies de vases, théières, carafes, tasses, bols, bougeoirs, lampes et boîtes aux couleurs toniques ou iridescentes, et aux imprimés très graphiques, du terrazzo classique au pointillisme moderne. Des objets qui traduisent son intérêt pour un design audacieux.

« J’essaie d’apporter une forme d’art tactile aux gens. Ces choses utiles plus particulières que des tasses ordinaires permettent une relation directe avec celui-ci. »

À l’ombre de ses vies d’artiste et de chef.fe, Mérida adore dessiner, et illustre d’ailleurs un jeu de tarot depuis six ans. L’artiste multidisciplinaire joue et chante également dans une chorale queer baptisée « The Forever Chorus ». Avec, toujours, le partage comme fil rouge.

yyycollection.com

vegansecretsupper.com

* L’écriture inclusive a été choisie pour cet article dans le respect de l’identité de genre de Mérida.

Mots : Muriel Françoise Photos : Sarah Eechaut

Sarah Eechaut est une photographe connue pour ses instants saisis au vol et ses paysages où plane une absence. Elle vit avec Stella, 7 ans, et Rocco, 4 ans, dans une vieille manufacture du centre de Gand, en Belgique, au milieu de cafés tranquilles. Le bâtiment compte encore un atelier textile voisin du loft de la petite tribu.

« Je me réveille au son du métier à tisser, ce qui me rappelle mon enfance auprès de mon père et de mon grand-père qui étaient autrefois tailleurs. »

Avec ses balançoires et ses cordes au milieu de la salle à manger, le loft ressemble à une plaine de jeux couverte. Dans cet intérieur kids friendly, tout est toujours à portée de regard. La salle de bains et la cuisine se font face tout juste séparées par une baie vitrée.

« Au début, j’étais un peu nerveuse à l’idée de vivre dans un grand espace ouvert. Je me demandais si les enfants parviendraient à s’endormir si j’écoutais de la musique ou je discutais avec des amis. Mais le loft est si grand que cela ne les dérange pas. Après la première nuit, Rocco m’a dit qu’il avait très bien dormi, car il n’y avait pas de porte entre lui et moi. »

La chambre de Sarah et la bibliothèque sont en mezzanine. Une cabane installée dans un coin abrite la chambre des enfants. Tout ou presque ici est recyclé comme cette vieille armoire sauvée d’un conteneur à l’école des enfants dont Sarah a ôté deux côtés et les tiroirs pour en faire une table.

Le loft accueille aussi l’atelier de fabrication de tampons Stampilon auquel se joignent Stella et Rocco qui disposent d’ailleurs chacun d’un spécimen avec leur portrait pour personnaliser leurs cahiers d’école.

« Je suis fascinée depuis l’enfance par l’écriture manuscrite, l’encre et le papier. Ma double formation en photographie et en typographie m’a inspiré ce projet qui matérialise un concept ou un design en partant d’un dessin ou d’une photo. »

Et, deux jours par semaine, Sarah est fleuriste chez Blommm, à trois minutes de vélo de chez elle.

« C’est une combinaison parfaite : travailler de mes mains, et créer des bouquets entourée de collègues adorables et talentueuses dans une petite boutique avec des fleurs et des céramiques locales... La vraie vie ! »

saraheechaut.com
stampilon.com
blommm.be

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

Il faut emprunter un ascenseur antique pour rejoindre l’atelier de l’artiste-ébéniste Allison Samuels (Two Tree Studios) dans l’East Williamsburg. On trouve par ici des garages, des manufactures, des boutiques vintage et des cafés sans prétention où casser la croûte avant de se perdre dans les rues bordées de bâtiments industriels et de jolies maisons aux escaliers de couleur.

« L’immeuble, qui appartient à une famille, possède un atelier de découpe et d’imprimerie au rez-de-chaussée. C’est l’un des plus hauts du quartier. Au cinquième étage, où je travaille, j’ai droit à des couchers de soleil incroyables sur la skyline de Manhattan. Ce sont d’ailleurs les trois fenêtres côté sud qui m’ont décidée à m’installer ici. »

Les belles journées d’hiver, le soleil entre à flots dans l’atelier d’Allison, et vient dorer ses créations organiques. Vases, cuillères, planches, tables, sculptures, mobiles... tout est matière à expérimentation formelle. Cette artiste authentique, qui a grandi dans la vallée de l’Hudson, grave, ponce, sable, polit et cire inlassablement des bois recyclés pour révéler la beauté naturelle des choses, sublimer une imperfection...

Elle nourrit son inspiration au fil de ses explorations urbaines, notamment au musée Noguchi, dans le Queens tout proche, et dans des lieux à l’empreinte humaine limitée.

« Je voyage habituellement seule. Il s’agit surtout pour moi de découvrir un nouvel environnement. J’essaie de définir une destination vague afin de me laisser un temps d’exploration libre en prêtant attention aux espaces, aux pensées et aux différentes choses qui surgissent en chemin. »

Allison, qui a pris son envol il y a deux ans après six années passées dans l’ombre d’un ébéniste, a acquis à ses côtés la patience et l’amour du fait main. Au fur et à mesure du développement de son activité, elle a tissé un réseau solidaire à travers le pays, notamment grâce aux réseaux sociaux.

« Je crois fermement au pouvoir du soutien collectif. Me frayer chaque jour un chemin en tant qu’entrepreneuse est un défi étranger à la plupart de mes amis. Il est donc vital pour moi de créer une communauté de personnes avec un parcours semblable, et de faire mon possible pour les mettre en lumière dans un processus de création collective. »

twotreestudios.com

Production et mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

Rendez-vous dans un vieux bâtiment industriel de Brooklyn aux longs couloirs jonchés de matières brutes. Miwa Neishi arrive avec une valise dans laquelle patientent de curieuses créatures d’argile. Soudain, les pieds dans la poussière, les céramiques tutoient la structure métallique d’un atelier envahi de façon abrupte, grimpent aux fenêtres pour mieux apprivoiser la lumière. Leurs courbes et reliefs à nu, elles laissent à peine percer l’idée qui les a fait naître : les dessins animés, l’alphabet, les humanoïdes préhistoriques ou les figurines animalières du pays du Soleil-Levant. Et déjà, elles s’éclipsent.

Céramiques de Miwa Neishi
Merci aux designers de Vonnegut/Kraft pour leur accueil

Mots : Muriel Françoise Photos : Sean Davidson

Il faut errer au-delà du Williamsburg trendy, parmi les entrepôts aux façades brutes, pour parvenir à la galerie d’art et de design fondée par Jennifer Carvalho et Se Yoon Park l’hiver dernier. L’architecte et sculpteur d’origine coréenne est tombé sous le charme de cette ancienne blanchisserie en 2016. Il y a installé son studio, et ouvert la porte à d’autres talents émergents avant d’accueillir des expositions d’avant-garde avec sa compagne, et de poursuivre sa création à l’ombre de celles-ci.

L’ancienne danseuse de ballet Jennifer Carvalho, passée notamment par le Withney Museum, le MOMA PS1 et Christies, évolue avec grâce dans cet espace aux murs blancs et aux détails industriels. Brouillant volontairement les pistes, le couple mêle les disciplines, et alterne accrochages de peintures modernes, d’œuvres graphiques et de meubles singuliers grâce à un flair hors pair.

Sont notamment passés par ici : la designer textile californienne Mimi Jung, la céramiste new-yorkaise Eny Lee Parker et l’artiste britannique Yulia Iosilzon. Caressées par une lumière douce grâce à une grande verrière sur le toit, les pièces choisies avec passion semblent en suspension. On s’y pose pour un moment de beauté pure avant de ricocher jusque Bushwick.

112 Waterbury Street, Brooklyn
carvalhopark.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

La designer Zoë Mowat vit et, souvent, crée dans un appartement haut perché proche du quartier coloré de la Petite-Italie, à Montréal. Cette fille d’artiste originaire d’Edmonton, en Alberta, s’est installée dans la métropole québécoise lors de ses études. Designer nomade, toujours prête à partir en voyage ou en résidence à l’autre bout du monde, elle aime travailler hors des murs de son appartement ou de son studio à quelques pas de là, que ce soit dans un parc, un café ou une bibliothèque. Elle nourrit d’ailleurs en partie son inspiration du tissu urbain environnant.

« À Montréal, tout est possible. D’où qu’ils viennent, les gens sont relax… ils se sentent à leur place. Et il en est de même pour la ville où différents styles architecturaux se côtoient librement. Rien n’est tape-à-l’oeil, et j’aime beaucoup ça. »

Dans son intérieur, comme dans sa démarche exploratoire, elle joue avec les matières, les couleurs, les formes, l’équilibre... en totale liberté, sans crainte ni de croiser les influences ni de s’écarter d’un style. Produits et prototypes cohabitent avec des pièces de design vintage, ainsi que des souvenirs de voyages et de famille posés ça et là.

« En tant que designer d’objets, je réfléchis beaucoup à notre rapport avec ceux-ci, surtout depuis que j’ai perdu toutes mes affaires dans un accident lorsque j’ai déménagé à Montréal il y a douze ans. Cette mésaventure m’a fait prendre conscience du caractère éphémère des choses. J’aime vivre entourée de petits objets qui me rappellent une personne ou une expérience. Je suis portée vers ceux qui remplissent naturellement leur fonction, des pièces belles, curieuses ou porteuses de sens. » 

Et, en résonance à la créativité plurielle de Zoë, également DJ à des soirées privées, un coin est dédié à la musique. Dans la bibliothèque du salon, les livres cèdent la place aux platines et aux vinyles vintage. Le mélange des genres est ici un exercice quotidien.

« J’écoute de la musique toute la journée quand je travaille. Cela m’aide a trouver un rythme productif. J’ai toujours été attirée par celle-ci, et j’ai des goûts très éclectiques. C’est important pour moi d’avoir des centres d’intérêt hors du monde du design. Programmer de la musique est une façon rafraîchissante de créer sans avoir l’impression de travailler. »

zoemowat.com

Mots : Muriel Françoise Photos : Eefje de Coninck et Mayken Craenen

Marijke Boesmans est fleuriste. Mayken Craenen, artiste visuelle. De leur passion commune pour le beau est né le printemps dernier Wilder, un espace mêlant fleurs locales et objets triés sur le volet, dans un ancien café, à Anvers. Au cœur de celui-ci, des fleurs choisies chaque semaine dans une petite palette de couleurs pour composer des bouquets harmonieux à acheter sur place ou à se faire livrer à vélo si on a la chance d’habiter dans les environs.

Des céramiques d’artisans belges (Sigrid Volders, Genster Ceramics, Renilde De Peuter...), des bougies bios, ainsi que des vases vintage et issus du recyclage, garnissent des étagères à pâlir d’envie. Pour prolonger la vie des fleurs, la maison propose également des cartes postales, affiches et tee-shirts avec des photos des plus beaux champs et bouquets. Et, l’automne venu, des créations de fleurs séchées hors des sentiers battus prennent le relais. Halte inspirante plus que recommandée.

28 Provinciestraat, Anvers, Belgique
wilderwilder.be

Mots : Muriel Françoise Photos : Clément Pascal

Avant, on allait à Bushwhick pour voir les murales wild du quartier le plus cool de Brooklyn, et dévorer une pizza chez Roberta, de préférence dans la cour au milieu des familles bobos du coin. Depuis le printemps dernier, on y va aussi pour se régaler à La Cantine, une luncheonette ouverte par la Française Ioana Hercberg, qui s'amuse à composer avec le meilleur des deux mondes.

Les vraies stars de cette adresse léchée ? Les quiches surprises (comté-champignons, frittata…) accompagnées de salades belles comme des natures mortes. Le tout dans une vaisselle chinée à Palm Springs par Ioana et la designer Sophie Lou Jacobsen qui a concocté un décor aux saveurs italiennes inattendu pour ce diner à la française logé dans une ancienne épicerie. Gros coup de cœur pour les chaises multicolores du Studio Sayso, le luminaire perle de Ladies & Gentleman et les bouquets flamboyants de ce nouveau repaire des créatifs de Big Apple. Une adresse de goût(s) !

60 Saint Nicholas Avenue, Brooklyn
@lacantinebushwick

Mots : Muriel Françoise Photos : Sylvie Li

La décoratrice et journaliste parisienne Raphaëlle Esneault a choisi un appartement avec vue sur le quartier vert d’Outremont pour enraciner la vie montréalaise de sa tribu formée de son mari Cyril, chef de cuisine, et de leurs trois enfants : Scarlett, 12 ans, Alix, 10 ans, et Camille, 4 ans. Dans cet intérieur de style paquebot, les angles se font courbes, la douceur habite l’espace à vivre, à jouer et à créer.

« Lorsque nous l’avons visité pour la première fois, j’ai trouvé ce grand intérieur blanc apaisant, un peu comme une page blanche laissant libre court à la créativité, exactement ce qui nous correspondait avec nos métiers visuellement très riches. »

La cuisine, noyau de cet intérieur aux airs de loft, est le point d’ancrage des diverses activités qui s’y déploient : peinture, écriture, photographie et, bien sûr, cuisine avec dégustation de mets maison en cours de préparation. Dans les chambres des enfants, comme un peu partout dans l’appartement, des meubles chinés, notamment à Prague où vivait précédemment la famille, personnalisent le home sweet home de ces nomades modernes.

« Notre vie influence beaucoup la décoration. Nous achetons peu de pièces, toujours simples et légères qui peuvent être déplacées facilement et dont nous ne risquons pas de nous lasser. Chaque meuble, choisi avec les enfants, a une histoire. »

Raphaëlle prend également plaisir à dénicher des pièces rares chez les antiquaires comme des fauteuils fifties du designer tchèque Jindrich Halabala revêtus d’un lainage rose tendre, et placés face à une table en marbre Art déco. Juste devant la fenêtre du salon, à hauteur d’oiseaux voyageurs.

@raphaelle_esneault